Comment la série Tales From The Loop d'Amazon a donné vie à l'art de la science-fiction

C’est une chose de transposer un roman ou une bande dessinée à l’écran, mais la série de science-fiction d’Amazon Studios, Tales From The Loop, a donné vie à l’art de la science-fiction. Tales From The Loop s’inspire d’un livre d’art de science-fiction populaire de Simon Stålenhag, un artiste suédois connu pour son mélange unique d’images rétro-futuristes et d’histoires poignantes et trop humaines.

La série se déroule dans la ville fictive de Mercer, dans l’Ohio, et raconte les vies interconnectées des habitants de la ville, dont les expériences sont profondément affectées par une installation souterraine connue sous le nom de “The Loop”. Le mélange de l’imagerie fantastique de Stålenhag et des histoires axées sur les personnages est porté à l’écran par une équipe créative talentueuse dirigée par le scénariste et directeur de la série Nathaniel Halpern (Legion), avec un réalisateur différent pour chacun des huit épisodes de la première saison.

Andrea Knoll, productrice d’effets visuels, a travaillé avec Halpern et l’équipe de la Tales From The Loop pour établir le délicat mélange visuel d’éléments de science-fiction et d’environnements pittoresques et naturels de la série. Elle a parlé à journal de geek de la recherche de cet équilibre, de la beauté du matériel source de la série et de la valeur de la retenue en matière d’effets visuels.

journal de geek : Lors de la conceptualisation le effets visuels pour le site Comment l’art de Simon Stålenhag a-t-il influencé vos conceptions et votre processus ?

Andrea Knoll : Les peintures de Simon sont une véritable source d’inspiration et ont été prises en compte dans toutes les conversations et toutes les décisions qui ont été prises. Il était important de préserver le sentiment qui était présent dans son livre, et bien qu’il y ait ces structures et éléments de science-fiction uniques et magnifiques tout autour des personnages dans la ville, il était également important que ces éléments ne prennent pas le pas sur l’histoire. C’est une chose dont nous avons été très conscients tout au long du projet.

Il y a toujours un peu de pression lorsqu’il s’agit de rester fidèle au matériel source, mais dans ce cas, le matériel source était entièrement visuel, sans scénario ni narration linéaire. Comment avez-vous fait pour rester fidèle à ce matériau ?

Pour chaque département, y compris les effets visuels, l’objectif principal était de rester fidèle à son travail. Il ne s’agissait pas seulement de l’apparence, mais aussi de la sensation. Nous voulions être fidèles à son travail, nous avions donc des structures et des robots identiques à ce qu’il avait créé. Mais encore une fois, les effets visuels sont là pour servir l’histoire, parce qu’au fond, la série raconte l’histoire personnelle des gens qui vivent dans cette ville et qui interagissent avec The Loop. Nous voulions donc que les images soient aussi poignantes que l’art de Simon, mais que les effets visuels restent subtils afin de ne pas nuire à l’histoire. Pour tout ce que nous concevions, nous nous demandions : “Comment cela se présenterait-il dans le monde de Simon, avec son esthétique ?”.

Philip Messina était le concepteur de production du pilote, et il a fait un travail extraordinaire en concevant The Loop – en particulier les zones souterraines de The Loop.

Simon Stålenhag a-t-il participé à la série à un titre quelconque ?

Je connais Nathaniel [Halpern, series creator] a parlé à Simon et qu’il a été impliqué, ce qui est incroyable. Nathaniel lui a parlé du bras bionique utilisé par un personnage, par exemple, et Simon a conçu le bras. [Special effects studio] Legacy Effects est ensuite allé plus loin et a construit une prothèse de bras.

C’était vraiment un projet magnifique, parce que nous avons tous très bien travaillé en équipe, et de manière si transparente d’un département à l’autre. Nous avons tout abordé avec l’idée de faire le plus possible de choses pratiques et de rester dans le monde de Simon, puis les effets visuels ont pris les choses en main quand c’était nécessaire.

Est-il parfois difficile de trouver cet équilibre ? En discutant avec des artistes d’effets visuels, j’entends souvent dire que les effets subtils sont plus difficiles à créer que les éléments de type spectacle, et les effets visuels de cette série sont extrêmement subtils.

C’est vraiment un équilibre délicat. C’était vraiment un travail d’équipe pour nous. Avec le travail de Simon, vous avez des personnages qui vivent dans un monde ordinaire mais qui sont entourés d’éléments de science-fiction à la fois anciens et futuristes. Les robots se promènent avec désinvolture dans les scènes, et il y a des éléments comme l’Echo Sphere que nous voyons dans l’épisode 4. Mais il ne s’agit jamais des robots dans son art, ou dans la série. Il s’agit de ressentir un sentiment d’émerveillement. Il était donc important pour nous de nous assurer que nous avions des effets visuels magnifiques qui contribuaient à l’histoire sans la distraire.

Cet équilibre a été atteint en grande partie grâce à la cinématographie – dans la façon dont nous cadrons les plans – de sorte que nous ne nous concentrons pas nécessairement sur les éléments des effets visuels, mais plutôt sur les personnages et l’action de la scène. Ces éléments sont présents, mais ils ne sont pas trop tape-à-l’œil ou mis en valeur. Il y a tellement de choses que nous pouvons faire maintenant avec les effets visuels. [computer-generated effects]et nous avons tous envie d’y aller à fond.

Y a-t-il une scène particulière qui a vraiment testé votre capacité à rester subtil avec les effets visuels ?

Le combat de robots dans le dernier épisode en est un bon exemple. Cela aurait pu être un grand moment de folie en images de synthèse, mais c’était une scène entièrement en images de synthèse. Jusqu’à ce moment-là, nous avions le seul robot pratique que Legacy Effects avait construit – nous l’appelons le robot “Jacob” – qui était un robot à deux pattes, puis nous avions aussi un robot araignée entièrement en images de synthèse. Nous avons travaillé dur pour reproduire le mouvement du robot pratique dans la scène en images de synthèse, mais avec le robot-araignée, il s’agit d’une création en images de synthèse, ce qui permet d’en faire des tonnes, mais nous avons dû faire preuve d’intelligence et de stratégie pour le rendre menaçant avec un minimum de mouvement.

C’était donc plus difficile que d’avoir un combat de robots déments comme dans un film de Transformers. En fait, Nathaniel a toujours été très catégorique à ce sujet, nous disant : “Rien à voir avec Transformers !” parce que ce n’est pas le monde de Simon. Il y a tellement de choses que l’on peut faire avec l’image de synthèse de nos jours, mais nous nous sommes efforcés de faire quelque chose de différent et d’unique en faisant preuve de retenue et en faisant le maximum avec subtilité.

C’est l’une de ces séries pour lesquelles il est difficile de discerner ce qui relève de l’image de synthèse et ce qui relève de la pratique. Y a-t-il un élément dont les gens seraient surpris de savoir qu’il s’agit d’une image de synthèse ou d’un élément pratique ?

Eh bien, le combat de robots est l’un de mes moments préférés dans la série pour diverses raisons. Nous avons créé toute cette scène qui a nécessité un travail formidable avec Legacy Effects, mais pour la majeure partie de la série, chaque fois que vous voyez le robot Jacob en gros plan, c’est un robot pratique. Nous avons surtout fait des retouches de peinture sur les plans pour l’intégrer à l’environnement, et si nous avions besoin d’améliorer la performance, nous pouvions faire un peu de travail de synthèse, mais dans ce combat de robots, beaucoup de plans qui y conduisaient étaient pratiques – jusqu’à ce qu’ils ne le soient plus, et alors tout était de synthèse.

Il y a quelque chose d’assez beau dans le mélange des deux et dans le fait que nous nous perdions tous dans ce qui est quoi, parce que tout le monde a fait un excellent travail sur les robots. J’aime la façon dont nous nous sommes tous complétés – production, design, cinématographie et Legacy Effects. Nous avons travaillé main dans la main avec Legacy et ses marionnettistes exceptionnels pour créer un hybride et marier le meilleur des deux mondes : la pratique et l’image de synthèse. J’aime donc beaucoup l’homogénéité des effets visuels de cette série.

Dans l’ensemble, quelle est la part des effets visuels dans la série ? On dirait que votre équipe a touché beaucoup de ce que nous avons vu de manière subtile, sans que le spectateur occasionnel s’en rende compte.

Le combat contre le robot est un moment d’image de synthèse plus évident, mais dans le pilote, un spectateur pourrait regarder et penser que les effets visuels sont minimes, à part les plans plus magiques de la neige flottant dans la cabane ou la scène de déconstruction de la maison. Mais nous avons en fait touché à presque tous les plans du pilote. En le regardant, cela ne saute pas aux yeux, mais c’est présent dans une grande partie de ce qui est là.

Chaque plan [in the series] est si belle. Et une grande partie de ce que vous voyez est le produit de la façon dont nous avons tous travaillé ensemble pour créer ces images magnifiques, semblables à des peintures.